Película de jidai geki dirigida en 1962 por Kurosawa Akira, cuenta en su reparto con la siempre excelente interpretación de su gran amigo Mifune Toshirô y de actores de la talla de Nakadai Tatsuya o Kayama Yuzo.

De ritmo más trepidante que otras películas de Kurosawa en este género, está llena de combates espectaculares y de anécdotas, como la del duelo en el que “saltó” a modo de chorro la bolsa con pintura que simulaba la sangre , y que Kurosawa incluyó finalmente en la película. Destaca también el simbolismo en algunas partes de la cinta, y no falto en otras películas de este mismo director. Entre los símbolos quizás más difíciles de captar para un occidental está el de la caída de las camelias, que representa que un samurai hace seppuku (suicidio ritual). Por otro lado, el nombre del protagonista es “camelia” (tsubaki), precisamente porque aparecen estas flores.

Aquí teneis un trailer de la época donde se puede ver al propio Kurosawa dirigiendo.

Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal es la ultima entrega de la serie del famoso arqueólogo; no digo una idea a posteriori que se añade de forma forzada a sus antecesoras, sino una mas, perfectamente integrada. Con el mismo espíritu, el mismo arqueólogo, en definitiva el mismo mundo que se respiraba en las pasadas entregas pero veinte años después. La sociedad ha cambiado y con ello el rodaje de los que a ella pertenecen.
Los malos son mas malos, la amenaza soviética para Estados Unidos nada tubo que ver con la de los Nazis que ya formaban parte de la historia reciente del país. Y esto queda reflejado incluso en el mimo guión de la película.

Quizá se eche de menos la parte mas histórica, que como una gincana hacía a Indiana, seguir pistas hasta llegar a su amado tesoro, aunque presente, es mas ligera, quizas el arqueólogo tenga menos que hacer por que el resto de personajes le allanan el camino. Lo paranormal, hecho patente en esqueletos con pelos, espíritus vengadores salidos de arcas o templarios milenarios, que tan bien iba con la búsqueda de reliquias realizada por Hitler, queda atrás para darle paso a la ciencia ficción que pisaba con fuerza la América de los años cincuenta: solo el principio del film, ya se desarrolla en la famosa Area 51.

En conclusión, Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Crista, es la hermana mas pequeña, y la que mas se ha hecho esperar de El Arca Perdida, el Templo Maldito y La Ultima Cruzada, y aquel que dentro de diez o veinte años, vea las cuatro entregas en un ciclo hecho como fan en el salón de su casa, no podrá darse cuenta de su desfase temporal, por además de que el equipo creativo sea el mismo, la atmósfera también lo es.

No todo Kurosawa iba a ser jidai geki. Nora Inu es una de las películas que más me gustan de este director. En ella se vislumbran ya claras influencias en el cine policiaco norteamericano y deja bien claro el gran talento que sustituía la falta de medios. Película de 1949, presenta con gran precisión la sociedad japonesa de la posguerra, apareciendo multitud de imágenes del Tokyo de la época y especialmente de los bajos fondos, al igual que ya hicera Kurosawa en su anterior obra Yoidore Tenshi (Angel Borracho - 1948 -).

El reparto habitual de Kurosawa se ve representado por el incomparable Mifune Toshiro, todavía joven, y el menos conocido en occidente, pero igualmente brillante, Shimura Takashi (1905-1982), quien interpreta un experimentado inspector de policía.

A falta de un trailer, os dejo un trozo de la película y el poster de la misma y os recomiendo que si no la habeis visto lo hagais lo antes posible.

Thader… sábado por la noche. Y encima jugando el Murcia a pocos metros detrás.

Película: “30 días de oscuridad“.

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Que sí, que mucha tensión, mucho ritmo, cámaras con párkinson, pero poca chicha. Este terror de los últimos años (más de ruído que otra cosa) empieza a cansarme (además de seguir asustándome). Se basa en un golpe de sonido efectista, que te levanta del asiento, y que lo único que consigue es sobresaltar y asustar. Nada que ver con el miedo de toda la vida que crea tensión, y te hace realmente pasar un mal rato, sin necesidad de sustos.

El reparto pues bueno… de segunda fila pero con su cosa. El prota guapo, pero poco creíble, y luego los vampiros para echarles de comer aparte. Maquillajes de todo a 100, vestuario hortera, y sobre todo que hablan un idioma incomprensible que no te permite siquiera imaginar de donde vienen estos señores.

La ambientación en Alaska, no está mal, siempre es efectivo el tema “6 meses de día”, “6 meses de noche”, como hiciera Pacino en INSOMNIO. En este caso 30 días de oscuridad, por lo que la película está rodada de noche, en decorados e interiores.

En el apartado musical repiten la fórmula de “28 días después”. Canción repetida hasta la saciedad, a todo volúmen, y cañera. Parece que funciona. El chico al final besa a chica. No se ven desnudos. Mucha sangre y sobre todo mucho frío, hielo y nieve.

Mi nota:

Para casa en dvd: 6

Para el cine: 3

Para comprar: 2

Saludos,

Rubén S.

Un vagabundo ciego que domina el arte del sable, Zatôichi. Serie de televisión y película con innumerables versiones. Desde la primera de ellas, de 1962, bajo la dirección de Misumi Kenji, hasta la más reciente de 2003 de Takeshi Kitano, pasando por Zatôichi monogatari, serie televisiva de 1974 y Shin-Zatôichi (El nuevo Zatôichi) que pasó por los hogares japoneses entre 1976 y 1979.

La versión de Kitano es una mezcla de sangre de diseño, comedia negra y campesinos anacrónicos que bailan tap dance al ritmo frenético de los escenarios de Broadway. Quizás fuera esa mezcla la clave para conseguir acumular galardones en Sitches, Toronto, Tokyo o Venecia. La genialidad de Kitano reside tal vez en su facilidad para traspasar las barreras de lo establecido y dar un toque propio a productos con tanta solera como el propio jidai geki.

Acompaña a Kitano como personaje principal Asano Tadanobu, actor consagrado que nos asombra con su manejo del sable y cuya última obra Kabei (nuestra madre) ha sido estrenada el 26 de enero de este año, bajo la dirección de Yamada Yôji.

Si de “Soy Leyenda” esperamos una película de terror o acción quizás nos decepcione, si la vemos sin ninguna expectativa, seguramente nos parezca decente e incluso recordable. La película se plantea bien, presentado un mundo espeluznante y vacío, solo habitado por el protagonista, su perro y la naturaleza que ha dominado a la civilización. Una plaga se ha diezmado a la humanidad y en su lugar unos bichos que no se sabe si son vampiros, zombis o gente calva muy enfadada la ha suplantado.

Nos encariñamos con Will Smith y lo compadecemos en todo momento por lo que le toca vivir, su actuación sin duda es impecable, al igual que impecable es el uso de los flashback, un único flashback fragmentado donde se nos muestra todo el pasado del personaje que tenemos que saber, y la información de lo ocurrido en el pasado se nos muestra en grabaciones y titulares de prensa colgados en la puerta de la nevera. Algo que se agradece, ya que no nos tratan como tontos explicado todo todisimo.
Quizás la moralina cristiana sobre, por que si, la meten, y en este caso sobra, no como en “señales” de Shamalan, donde era completamente justificada.

En cualquier caso se trata de una película muy entretenida que no deja para nada con mal sabor de boca, y tras verla no sentimos que hemos perdido el tiempo. Una película de palomitas y refrescos.
Por cierto, Warner ya esta preparando la secuela, quizás: ¿”Era Leyenda”?

El viaje a Darjeeling nos recuerda al instituto, cuando pesadamente en literatura teníamos que aprender que significaban los caminos, los ríos o las vías del tren: la vida. Y es que el argumento de la película trascurre sobre estas ultimas, las vías del tren, un viaje por la india que repasa todos los sentimientos mas humanos, desde la amistad, al amor, pasando por la muerte.
Wes Anderson no evoluciona en esta ultima película ni falta que hace. Sus historias ambientadas en el doloroso mundo que nos rodea edulcorado por el surrealismo es mas que suficiente y que hasta ahora le ha funcionado bien.
Si analizamos los aspectos técnicos de la cinta, la puesta en escena es impecable, y junto a la música nos mete en el misterioso mundo de la India sin saber calificarlo de real o ficticio

Se trata sin duda de su cinta mas tierna y humana. En este caso tres hermanos, que no se han hablado en un año, deciden juntarse en un viaje para encontrarse a si mismos y ser los hermanos que siempre habían sido. De improvisto su planeadísimo viaje se ve truncado y ellos obligados a improvisar, momento en que comienza un nuevo viaje.

¿Quien no conoce a Songoku? En realidad el famoso personaje de Dragon Ball no es otro que uno de los protagonistas de Saiyûki, una obra literaria china del siglo XVI escrita por Go Shô on (1504-1582) (en grafía japonesa) o Wu Cheng’en (en grafía de transcripción China). Aunque no obstante, en Japón hay diversas teorías sobre el autor real del texto.

La novela ha dado lugar en Japón a un sinfin de series de televisión, la de 1978 en la que Songoku es interpretado por Sakai Masaaki, quien repitió en el 79, la de 1993, con Motoki Masahiro, 1994, con Karasawa Toshiaki y la última de 2006 con el “cachondísimo” Katori Shingo, a quien muchos de vosotros conocereis (y si no os lo digo yo) por interpretar el friskísimo personaje de Shingo Mama y la consiguiente canción. Junto a Katori Shingo tenemos en esta ocasión a la guapísima Fukatsu Eri en el papel de Sanzôhôshi.

La frase promocional de la película en Japón es: “Mina, namaka” (todos, compañeros), aunque realmente está mal hecha a propósito, porque compañeros se dice nakama y no namaka, lo que pasa es que Songoku tiene una especie de dislexia patológica unida a una hiperactividad que llega a veces a ser insoportablemente hilarante. Katori Shingo parece haberse tomado algún tipo de alucinógeno antes de rodar cada escena, porque lo de este hombre realmente no es normal. Escenas muy cachondas, tanto como los personajes que hacen de malos, Kinkaku y Ginkaku, nombres de dos templos de Japón, uno dorado y otro de plata, que están todo el tiempo haciendo la puñeta a los protagonistas.

En fin, que no debeis perderosla, que si bien no tiene mayores pretensiones, te hace pasar dos horas pasando de la risa floja a la absurda en cuestión de segundos. Lo difícil será encontrarla por los cines de aquí y aún más una versión traducida o con subtítulos, pero seguro que vosotros sois gente de recursos.

Os dejo el trailer a ver que os parece. Ah, y os recomiendo que no dejeis de escuchar “Gandhara” el tema que siempre ha acompañado a la serie en los créditos finales y que aquí tampoco falta, seguro que también os gusta.

Carlos Sorin es, sin dudas, uno de los mejores directores y guionistas argentinos en actividad. Todas sus peliculas mantienen esa linea estilística que es ya su marca registrada: el road movie.

La fortalece de sus films reside en sus historias sencillas, sin grandes costes de producción, sin impresionantes efectos especiales, y sin embargo (o a causa de ello) tan conmovedoras, tan maravillosas.

La popularidad mundial de Sorin llegó con sus “Historias Mínimas” (2002), rodada en la Patagonia Argentina. La historia de tres personajes (un anciano en busca de su perro perdido, un vendedor de carretera y la ganadora de un concurso televisivo) se entrecruzan azarosamente . Se trata de una película que nos habla de la soledad y de los sueños por cumplir.

Anterior en el tiempo, pero no en perfección, nos encontramos con “La película del Rey” (1986), con la impecable actuación de Julio Chavez, protagonizando a un director de cine que lo apuesta todo a su proyecto. La historia gira en torno a la preproducción y el rodaje de la película, con todos los inconvenientes que se encuentran para filmar en un país como la Argentina. Magistral también la interpretación de Ulises Dumont en el papel del productor ejecutivo.

Luego vino la que considero su obra maestra, “El perro”. Película filmada en la provincia de Santa Cruz, cuenta la historia de un desocupado (Juan Villegas, actor revelación) y un dogo argentino de buen pedigree. Villegas recibe al perro como compensación por reparar el vehículo de una mujer. De ahí en más, la convivencia con un perro (considerado asesino). Una historia conmovedora, impecable. Brillate guión, también escrito por Sorin.

Su última película estrenada es “El camino de San Diego” (2006). Cuenta la historia de un fanático de Diego Maradona que, impulsado por la internación del futbolista por motivos cardíacos, viaja desde Misiones hasta Buenos Aires para entregarle una raíz de un árbol muy similar a la silueta de su ídolo. Película que incursiona en la pasión nacional que desata Maradona, ideal para conocer a la cultura y la sociedad de la provincia.

Todo el cine de Sorin está teñido por esa magia que encierran los paisajes de mi país. Desde el sur del sur hasta la cálida Misiones, sus películas nos permiten conocer la anatomía de aquella tierra, pero también (y más importante, desde mi punto de vista), conocer a su gente, a sus paisanos, a los que no viven en Capital Federal. A la humildad de esa gente, a la simpleza. Sus historias son así, como esa gente. Vale la pena resaltar, que una parte importante del reparto, son actores no profesionales, elegidos por el director ya en las locaciones elegidas.

Recomiendo disfrutar del buen cine de un director que sabe del lenguaje, que se rige por las normas de la imagen y no abusa en diálogos sin sentido. Cada uno de sus encuandres, son maravillosos. Desde el color, la composición, la fotografía, la música y sobre todo, por la emoción que transmite.

Actualmente, Sorin se encuentra trabajando en su próximo proyecto: “Un cambio de planes”. Mientras esperamos su estreno, invito a disfrutar toda su filmografía. Para paladares deseosos de un cine de gourmet.

Maria Belen Perez Lamas

katto katto kattoooo!!!! (corten, corten, corten!!!). Bob está perdido pero no lo sabe. Sofia Coppola nos presentó en 2003 su historia y ya de paso se llevó un oscar al mejor guión original, así como otras tantas nominaciones a ese premio tan dorado y glamuroso como norteamericano que reparten todos los años en la ciudad de la elegancia y el lujo. No suelo hablar sobre películas americanas, no es que no me gusten, solo que me centro más en el cine japonés, pero esta película es también de alguna manera japonesa, bueno, más bien es una película de todos sitios a la vez. Bob cree que sabe lo que es y lo que tiene, una casa, una mujer e hijos, un trabajo, experiencia, pero en realidad está completamente perdido. Se acerca peligrosamente a la crisis de la mediana edad sin darse cuenta de que solo es un crío de 18 años con menos pelo, más arrugas y un hígado más entrenado en el whisky con hielo. Pobre Bob. Su episodio con Charlotte es para él tan desconocido como el idioma que le rodea. Su mundo se derrumba como esas construcciones de madera a las que jugaba de pequeño. Y de repente descubre, para su asombro, que el valor de la amistad no tiene precio, que todavía le quedan un puñado de sentimientos en su maleta y que quizás estaba empezando a envejecer por dentro. Necesita completar su círculo, crecer, subir un escalón más y afrontar su posición. ¿Lo conseguirá?, desgraciadamente la película solo dura 109 minutos, demasiado poco tiempo para abarcar toda una vida.

Gambare, Bobu san. Ánimo, Bob.