Película de jidai geki dirigida en 1962 por Kurosawa Akira, cuenta en su reparto con la siempre excelente interpretación de su gran amigo Mifune Toshirô y de actores de la talla de Nakadai Tatsuya o Kayama Yuzo.

De ritmo más trepidante que otras películas de Kurosawa en este género, está llena de combates espectaculares y de anécdotas, como la del duelo en el que “saltó” a modo de chorro la bolsa con pintura que simulaba la sangre , y que Kurosawa incluyó finalmente en la película. Destaca también el simbolismo en algunas partes de la cinta, y no falto en otras películas de este mismo director. Entre los símbolos quizás más difíciles de captar para un occidental está el de la caída de las camelias, que representa que un samurai hace seppuku (suicidio ritual). Por otro lado, el nombre del protagonista es “camelia” (tsubaki), precisamente porque aparecen estas flores.

Aquí teneis un trailer de la época donde se puede ver al propio Kurosawa dirigiendo.

No todo Kurosawa iba a ser jidai geki. Nora Inu es una de las películas que más me gustan de este director. En ella se vislumbran ya claras influencias en el cine policiaco norteamericano y deja bien claro el gran talento que sustituía la falta de medios. Película de 1949, presenta con gran precisión la sociedad japonesa de la posguerra, apareciendo multitud de imágenes del Tokyo de la época y especialmente de los bajos fondos, al igual que ya hicera Kurosawa en su anterior obra Yoidore Tenshi (Angel Borracho - 1948 -).

El reparto habitual de Kurosawa se ve representado por el incomparable Mifune Toshiro, todavía joven, y el menos conocido en occidente, pero igualmente brillante, Shimura Takashi (1905-1982), quien interpreta un experimentado inspector de policía.

A falta de un trailer, os dejo un trozo de la película y el poster de la misma y os recomiendo que si no la habeis visto lo hagais lo antes posible.

Thader… sábado por la noche. Y encima jugando el Murcia a pocos metros detrás.

Película: “30 días de oscuridad“.

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Que sí, que mucha tensión, mucho ritmo, cámaras con párkinson, pero poca chicha. Este terror de los últimos años (más de ruído que otra cosa) empieza a cansarme (además de seguir asustándome). Se basa en un golpe de sonido efectista, que te levanta del asiento, y que lo único que consigue es sobresaltar y asustar. Nada que ver con el miedo de toda la vida que crea tensión, y te hace realmente pasar un mal rato, sin necesidad de sustos.

El reparto pues bueno… de segunda fila pero con su cosa. El prota guapo, pero poco creíble, y luego los vampiros para echarles de comer aparte. Maquillajes de todo a 100, vestuario hortera, y sobre todo que hablan un idioma incomprensible que no te permite siquiera imaginar de donde vienen estos señores.

La ambientación en Alaska, no está mal, siempre es efectivo el tema “6 meses de día”, “6 meses de noche”, como hiciera Pacino en INSOMNIO. En este caso 30 días de oscuridad, por lo que la película está rodada de noche, en decorados e interiores.

En el apartado musical repiten la fórmula de “28 días después”. Canción repetida hasta la saciedad, a todo volúmen, y cañera. Parece que funciona. El chico al final besa a chica. No se ven desnudos. Mucha sangre y sobre todo mucho frío, hielo y nieve.

Mi nota:

Para casa en dvd: 6

Para el cine: 3

Para comprar: 2

Saludos,

Rubén S.

Un vagabundo ciego que domina el arte del sable, Zatôichi. Serie de televisión y película con innumerables versiones. Desde la primera de ellas, de 1962, bajo la dirección de Misumi Kenji, hasta la más reciente de 2003 de Takeshi Kitano, pasando por Zatôichi monogatari, serie televisiva de 1974 y Shin-Zatôichi (El nuevo Zatôichi) que pasó por los hogares japoneses entre 1976 y 1979.

La versión de Kitano es una mezcla de sangre de diseño, comedia negra y campesinos anacrónicos que bailan tap dance al ritmo frenético de los escenarios de Broadway. Quizás fuera esa mezcla la clave para conseguir acumular galardones en Sitches, Toronto, Tokyo o Venecia. La genialidad de Kitano reside tal vez en su facilidad para traspasar las barreras de lo establecido y dar un toque propio a productos con tanta solera como el propio jidai geki.

Acompaña a Kitano como personaje principal Asano Tadanobu, actor consagrado que nos asombra con su manejo del sable y cuya última obra Kabei (nuestra madre) ha sido estrenada el 26 de enero de este año, bajo la dirección de Yamada Yôji.

El viaje a Darjeeling nos recuerda al instituto, cuando pesadamente en literatura teníamos que aprender que significaban los caminos, los ríos o las vías del tren: la vida. Y es que el argumento de la película trascurre sobre estas ultimas, las vías del tren, un viaje por la india que repasa todos los sentimientos mas humanos, desde la amistad, al amor, pasando por la muerte.
Wes Anderson no evoluciona en esta ultima película ni falta que hace. Sus historias ambientadas en el doloroso mundo que nos rodea edulcorado por el surrealismo es mas que suficiente y que hasta ahora le ha funcionado bien.
Si analizamos los aspectos técnicos de la cinta, la puesta en escena es impecable, y junto a la música nos mete en el misterioso mundo de la India sin saber calificarlo de real o ficticio

Se trata sin duda de su cinta mas tierna y humana. En este caso tres hermanos, que no se han hablado en un año, deciden juntarse en un viaje para encontrarse a si mismos y ser los hermanos que siempre habían sido. De improvisto su planeadísimo viaje se ve truncado y ellos obligados a improvisar, momento en que comienza un nuevo viaje.

¿Quien no conoce a Songoku? En realidad el famoso personaje de Dragon Ball no es otro que uno de los protagonistas de Saiyûki, una obra literaria china del siglo XVI escrita por Go Shô on (1504-1582) (en grafía japonesa) o Wu Cheng’en (en grafía de transcripción China). Aunque no obstante, en Japón hay diversas teorías sobre el autor real del texto.

La novela ha dado lugar en Japón a un sinfin de series de televisión, la de 1978 en la que Songoku es interpretado por Sakai Masaaki, quien repitió en el 79, la de 1993, con Motoki Masahiro, 1994, con Karasawa Toshiaki y la última de 2006 con el “cachondísimo” Katori Shingo, a quien muchos de vosotros conocereis (y si no os lo digo yo) por interpretar el friskísimo personaje de Shingo Mama y la consiguiente canción. Junto a Katori Shingo tenemos en esta ocasión a la guapísima Fukatsu Eri en el papel de Sanzôhôshi.

La frase promocional de la película en Japón es: “Mina, namaka” (todos, compañeros), aunque realmente está mal hecha a propósito, porque compañeros se dice nakama y no namaka, lo que pasa es que Songoku tiene una especie de dislexia patológica unida a una hiperactividad que llega a veces a ser insoportablemente hilarante. Katori Shingo parece haberse tomado algún tipo de alucinógeno antes de rodar cada escena, porque lo de este hombre realmente no es normal. Escenas muy cachondas, tanto como los personajes que hacen de malos, Kinkaku y Ginkaku, nombres de dos templos de Japón, uno dorado y otro de plata, que están todo el tiempo haciendo la puñeta a los protagonistas.

En fin, que no debeis perderosla, que si bien no tiene mayores pretensiones, te hace pasar dos horas pasando de la risa floja a la absurda en cuestión de segundos. Lo difícil será encontrarla por los cines de aquí y aún más una versión traducida o con subtítulos, pero seguro que vosotros sois gente de recursos.

Os dejo el trailer a ver que os parece. Ah, y os recomiendo que no dejeis de escuchar “Gandhara” el tema que siempre ha acompañado a la serie en los créditos finales y que aquí tampoco falta, seguro que también os gusta.

Carlos Sorin es, sin dudas, uno de los mejores directores y guionistas argentinos en actividad. Todas sus peliculas mantienen esa linea estilística que es ya su marca registrada: el road movie.

La fortalece de sus films reside en sus historias sencillas, sin grandes costes de producción, sin impresionantes efectos especiales, y sin embargo (o a causa de ello) tan conmovedoras, tan maravillosas.

La popularidad mundial de Sorin llegó con sus “Historias Mínimas” (2002), rodada en la Patagonia Argentina. La historia de tres personajes (un anciano en busca de su perro perdido, un vendedor de carretera y la ganadora de un concurso televisivo) se entrecruzan azarosamente . Se trata de una película que nos habla de la soledad y de los sueños por cumplir.

Anterior en el tiempo, pero no en perfección, nos encontramos con “La película del Rey” (1986), con la impecable actuación de Julio Chavez, protagonizando a un director de cine que lo apuesta todo a su proyecto. La historia gira en torno a la preproducción y el rodaje de la película, con todos los inconvenientes que se encuentran para filmar en un país como la Argentina. Magistral también la interpretación de Ulises Dumont en el papel del productor ejecutivo.

Luego vino la que considero su obra maestra, “El perro”. Película filmada en la provincia de Santa Cruz, cuenta la historia de un desocupado (Juan Villegas, actor revelación) y un dogo argentino de buen pedigree. Villegas recibe al perro como compensación por reparar el vehículo de una mujer. De ahí en más, la convivencia con un perro (considerado asesino). Una historia conmovedora, impecable. Brillate guión, también escrito por Sorin.

Su última película estrenada es “El camino de San Diego” (2006). Cuenta la historia de un fanático de Diego Maradona que, impulsado por la internación del futbolista por motivos cardíacos, viaja desde Misiones hasta Buenos Aires para entregarle una raíz de un árbol muy similar a la silueta de su ídolo. Película que incursiona en la pasión nacional que desata Maradona, ideal para conocer a la cultura y la sociedad de la provincia.

Todo el cine de Sorin está teñido por esa magia que encierran los paisajes de mi país. Desde el sur del sur hasta la cálida Misiones, sus películas nos permiten conocer la anatomía de aquella tierra, pero también (y más importante, desde mi punto de vista), conocer a su gente, a sus paisanos, a los que no viven en Capital Federal. A la humildad de esa gente, a la simpleza. Sus historias son así, como esa gente. Vale la pena resaltar, que una parte importante del reparto, son actores no profesionales, elegidos por el director ya en las locaciones elegidas.

Recomiendo disfrutar del buen cine de un director que sabe del lenguaje, que se rige por las normas de la imagen y no abusa en diálogos sin sentido. Cada uno de sus encuandres, son maravillosos. Desde el color, la composición, la fotografía, la música y sobre todo, por la emoción que transmite.

Actualmente, Sorin se encuentra trabajando en su próximo proyecto: “Un cambio de planes”. Mientras esperamos su estreno, invito a disfrutar toda su filmografía. Para paladares deseosos de un cine de gourmet.

Maria Belen Perez Lamas

katto katto kattoooo!!!! (corten, corten, corten!!!). Bob está perdido pero no lo sabe. Sofia Coppola nos presentó en 2003 su historia y ya de paso se llevó un oscar al mejor guión original, así como otras tantas nominaciones a ese premio tan dorado y glamuroso como norteamericano que reparten todos los años en la ciudad de la elegancia y el lujo. No suelo hablar sobre películas americanas, no es que no me gusten, solo que me centro más en el cine japonés, pero esta película es también de alguna manera japonesa, bueno, más bien es una película de todos sitios a la vez. Bob cree que sabe lo que es y lo que tiene, una casa, una mujer e hijos, un trabajo, experiencia, pero en realidad está completamente perdido. Se acerca peligrosamente a la crisis de la mediana edad sin darse cuenta de que solo es un crío de 18 años con menos pelo, más arrugas y un hígado más entrenado en el whisky con hielo. Pobre Bob. Su episodio con Charlotte es para él tan desconocido como el idioma que le rodea. Su mundo se derrumba como esas construcciones de madera a las que jugaba de pequeño. Y de repente descubre, para su asombro, que el valor de la amistad no tiene precio, que todavía le quedan un puñado de sentimientos en su maleta y que quizás estaba empezando a envejecer por dentro. Necesita completar su círculo, crecer, subir un escalón más y afrontar su posición. ¿Lo conseguirá?, desgraciadamente la película solo dura 109 minutos, demasiado poco tiempo para abarcar toda una vida.

Gambare, Bobu san. Ánimo, Bob.

Película de animación del director Miyazaki Hayao estrenada el 12 de julio de 1997 y que fue un rotundo éxito de público y de crítica en Japón. Lo más interesante de la película es sin duda la descripción de los ainu, los antiguos pobladores que todavía mantienen sus raíces en Hokkaidô, aunque con referencias repletas de mitología, leyendas y situaciones imposibles. El trasfondo de la película es claramente ecologísta, los dioses del bosque luchan por proteger su tierra frente a las fundiciones de hierro. Todo mezclado con la excepcional banda sonora de Joe Hisaishi que podeis escuchar en este mismo blog y que os hará emocionaros.

Como curiosidad contaros que en la versión japonesa la voz de Ashitaka se encargó a Matsuda Yôji, quien presta su voz también en otra película de Ghibli, Kaze no Tani no Naushika (Nausica del valle del viento 1984), donde interpreta la voz de Asberu. Este mismo actor tiene un pequeño personaje en Kakushi ken oni no tsume, película japonesa de 2004 y ya más actualmente en Ichiban Kireina mizu (El agua más hermosa), cinta estrenada el 7 de octubre de 2006.

Os dejo el trailer con la versión cantada de la banda sonora.

El director japonés Miyazaki Hayao se ha  hecho famoso en occidente por películas de animación como El viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no kamikakushi, 2001) o El castillo ambulante (Hauru no ugoku shiro, 2004), las cuales han tenido un gran éxito de público, compitiendo con el omnipresente imperio cinematográfico estadounidense. Sin embargo, dentro de la obra de Miyazaki podemos encontrar aunténticas perlas de la animación que destacan tanto por el cuidado de los detalles como por presentar con total realismo la sociedad japonesa.

Es el caso de esta verdadera obra maestra cuyo título nos revela que no es sino una vuelta al pasado, a la infancia de su protagonista, a través de una explosión de recuerdos que fluyen de manera constante. Poro poro expresa en japonés ese sonido inaudible para nosotros los occidentales que se produce al brotar las lágrimas. Pero aquí no son lágrimas lo que surgen en interminables flash backs de tonalidades claras. Aquí brotan imágenes de un pasado que finalmente se fundirá con el presente para conseguir que sea el espectador quien se conmueva.

Toda esta poesía en movimiento ve la luz gracias a la labor de productor ejecutivo de Miyazaki y a la magnífica dirección y expléndido guión de Takahata Isao, haciendo honor una vez más al buen nombre del Studio Ghibli.

¿Os la vais a perder?